很多朋友刚接触MIDI的时候，对用合成器创作管弦乐作品抱有很大的希望，但很快他们都失望了：MIDI乐队远没有他们想象的那么好。键盘杂志用了很多篇幅来讨论这个问题。看来美国同行遇到的问题和我们差不多。音乐真的没有国界。
资深编辑吉姆艾金写了一篇关于它的文章，在此整理介绍给大家。
我们的用户中有很多专业的作曲家，作曲的三大法宝早已烂熟于心。这篇文章也是用简单的方式写的。专业作曲家请见谅，只当是初学者的初级教材。
艾金在序言中写道：如果你从未用合成器或采样器模拟过交响乐团，而你的目标是掌握这项技术，那么在接下来的几年里，你肯定会遇到很多失望和烦恼。坦率地说，我们的杂志不可能让你的S6000、A5000或EIV听起来像一个七八十人的乐队。如果你想用GM音源做这个魔术，上帝保佑你。
看起来有一个简单的方法，那就是大量购买著名乐队的样本光盘，但这并不能解决所有的问题，我们需要使用他们的技术。
乐器的音域
乐队中的每一件乐器都有自己的音域，超出音域的使用必然会产生虚假和失真的结果。如果你对各种乐器的音域不熟悉，可以找一种搭配方法(大书店都有卖)，放在手边参考。
几乎所有的乐器在不同的音域都有不同的声音，比如巴松管的最高音区发出痛苦的声音，这是斯特拉文斯基在“春节”开始时使用的。独奏乐器的每一根弦都有不同的音色，但小提琴家不可能总是演奏第一个键，所以同一音符往往可以在两个甚至三个地方演奏。通常采样音库是无法为你准备这么详细的选择的，所以你要注意你要用的音区，看看这里的声音是否符合你的要求。精致的声音库几乎可以单独采样每一个声音，但在最高和最低声音区域可能会被忽略。
我受不了大提琴带弦的最低C采样。这个音符(很有戏剧性)是不能拉弦的，所以用大提琴最低的C，记住不要带拉弦的。同样的原理也适用于小提琴的G和低音提琴的E。
写木管乐器部分时，可以用有趣的方式改变音色：让乐器在上面或下面。比如，不要因为笛子在乐谱的顶端，就总是把旋律交给笛子。尽量把笛子藏在和弦中间，让单簧管演奏旋律。用圆号或低音单簧管代替巴松管演奏低音(圆号虽然是铜管乐器，但其圆润的声音常被木管乐器借用)。
发音特点和演奏技术
写管乐部分，至少需要懂得吐槽和连音(虽然我是搞弦乐的，但我也懂)。如果连续的抒情单簧管或小号旋律用吐槽音演奏，会很别扭。如果您的采样器具有Legato模式，请尝试使用它弹奏独奏管乐器。此时，同一样本用于多个音符，具有连线的效果。如果你的乐器没有这个模式，可以尝试将弯音范围设置为五度或八度，在音序器中编辑弯音理论的参数，让一个长音变成一个相连的旋律(《中音技术》，2000年第3期《弯音轮在演奏方法上的新用途》对此进行了详细讲解)。
同时要记住，风玩家需要呼吸。你可以写一个2分钟长的小提琴音符(每个人轮流换弓，连续发音)，但是如果你想听起来像一个人在演奏，你就不能为长笛写这么长的音符。
了解并熟悉铜管乐器加静音的效果，弦乐器也可以加静音，发出沙哑但优美的声音。
管弦乐打击乐是乐队中非常重要的一部分，它的用法与流行乐队有很大的不同。比如定音鼓音高清晰，音色优美，动态变化大。它的踏板可以起到滑行的效果，但在18、19世纪的音乐中，低音鼓的音高是固定的，往往是设置在音乐中使用的键的主导音和主导音上。
用调节轮给弦部分增加揉弦效果，往往效果不好。实际的弦部分彼此不同，所以听起来很自然。按照一般规律，音乐越刺激，调音越快越宽，但能让你做到这一点的样本并不多。管乐部往往是用乐器演奏的，每一个音符加一点揉捏声会产生很好的效果，但是过度的揉捏声会显得很可笑，铜管一般不加揉捏声。
弦采样往往辅音较软，打劈弓或跳弓不够，打连字太多。此时只能手动修改攻击包络，或者叠加更多的样本进行变换。
经常使用拨弦，实际乐队演奏的每个音符，即使音高和力度相同，也有细微的差别。为了模拟这种效果，需要准备2个甚至3个弹拨弦采样旋转应用。拔毛的部分不能像刀切一样整齐，再好的乐队也不行。因此，在制作合奏声音时，要注意独奏的弹拨。
音乐中的同音词重复是很有学问的，合成器在播放同音词重复时很容易揭示真相。
tiaoimg.com/large/470700048f1b9af3be8f' />力度和句子
巴洛克时期的乐队使用“梯田”式的力度，声部或个别乐器的力度作台阶式的改变，常利用声部的进入和退出改变总体力度。海顿和莫扎特以后才有了作为音乐表现手段的渐强渐弱变化，优秀的乐队无论作渐强渐弱的连续变化还是力度的突然改变都很拿手。
当然如果你为影视写作音乐，为了不淹没对话，经常需要把模拟乐队的力度限制在一个狭窄的动态范围。如果需要出现高潮怎么办？首先要转换到一个以Forte或Fortissimo采样的样本。许多乐器强奏和弱奏的音色截然不同；其次象作曲家写总谱时所作的那样加厚合奏声部，例如用大号加强大提琴和贝司的低音；再加一点混响模仿音乐厅被激发出来的回声；还要考虑减少一点总音量电平，以免前面的多项措施使总电平过高。
乐器固有的动态范围有很大的差异，例如双簧管的动态相对窄些，而铜管使用弱音器能有很大的动态变化，弦乐声部的力度变化更大，浪漫派和现代作曲家经常要求很弱的声部，往往只用一、二个谱台（2或4把提琴），使得声部带有更多室内乐队的特色。如果你有一些很好的独奏弦乐采样，在低音量时混合到弦乐声部会有很好的效果。
写作交响音乐很讲究乐句中的细致力度变化起伏。如果你的合成器响应MIDI表情控制器（CC11号），可以把它分配到一个推子上，回放的时候实时控制力度变化，甚至可以作一些“枣核”形（俗称，英文叫swell）变化。这样作之前当然要为受控制的乐器单独分配一条MIDI通道。如果你对管乐器很在行，MIDI呼吸控制器是很好的选择，能使你的旋律表情得到戏剧性的改善。
取决于你谱写的乐曲的类型，你可以发现使用对比的乐队色彩将为音乐带来更多力度的趣味。一个乐队是巨大的调色板，虽然传统乐队不可能给大号、贝司、大锣写些快速经过句（MIDI乐队可以），但我们仍有许多奇异迷人的可能性可以探索。
一个好的学习途径是买些古典交响乐CD唱片（贝多芬之后的任何作曲家都可以）来研究配器效果，如果能找到总谱更好。
速度波动
交响乐队在速度方面比流行乐队松散。一部分是由于乐队规模大，人数多。六、七十位音乐家需要协调他们彼此的手指、手臂、嘴唇、舌头，舞台有20米宽，10多米进深，距离最远的音乐家之间甚至有75毫秒的声音延迟！此外管弦乐队不象流行乐队始终伴有鼓手的强烈节奏，不论指挥的拍子划得多么精确（也有的指挥动作非常柔和），乐队的拍子不可能“黏”在他的指挥棒上，因为乐手同时还要看乐谱。仔细倾听真实乐队的演奏，一定可以发现它不象经过量化的音序。因此用键盘输入的乐器声部，有必要手工修饰得“不整齐”一些。
速度变化（accel.渐快和rit渐慢）在流行乐队中不常见，对交响乐队可是家常便饭，比如一个安静的结尾通常总是伴随着渐慢。19世纪后半期的作曲家们往往在总谱上写上许多速度标记，作为表情记号的辅助。
如果你为影视写音乐，速度的变化必须符合画面内容，这是另一项技术。
指挥通常喜欢走在乐队的拍子前面，这样才能有效地“带动”乐队。如果反过来，乐队走到指挥拍子前面，他画的拍子还有什么用呢？乐队就成了“脱缰的野马”，指挥成了“马后炮”。在排练时出现这种情况，指挥一定会叫停，演出时这样就苦了指挥，为顾全大局，他只好拼命追上，夺回控制权。这种情况通常只出现在水平极差的业余乐队，训练有素的乐队可以跟指挥的拍子拉开距离，却仍然整齐。传说当年富特文格勒一挥指挥棒，静默足足7秒钟以后乐队整整齐齐奏出“贝五”的开头。
学习捷径
最好的学习途径是多听交响音乐会。现场听乐队演奏与听唱片是完全不同的两回事。著名的乐队固然最好，本地社区的也不要漏过，这类音乐会上你甚至有机会结识一些乐手，也许将来你可以请他们到录音棚为你录上几轨，真乐器演奏混合在采样制作的录音中能起画龙点睛的作用。
想做好管弦乐吗?
用MIDI制作管弦乐队和MIDI流行音乐制作完全不同。
简单的说，流行音乐MIDI强调4大件（鼓、吉他、倍司、键盘），再加点色彩乐器即可完成一个满不错的MIDI伴奏带。因为，这4大件的传统演奏法（很有流动感，并有个性）。年轻的玩MIDI朋友们太熟悉了：鼓（东次答次）、吉他（匡-匡-
匡匡）等……这些欧美传过来的经典文化，凡是玩过几天MIDI的朋友都略知一二。但，用MIDI做管弦乐队就不是一个理念了。
本人就10几年玩MIDI的经验总结的体会如下：
1. MIDI做管弦乐队也强调4大件（组）――铜管组、打击乐组（含竖琴、钟琴、钢琴等色彩乐器）、木管组、弦乐组（提琴组）。但是决不能按传统理论（管弦乐法）的方法配置。否则，你会感觉太厚重、不清晰、没有层次。因为，MIDI的采样在着方面的音色是缺少个性的。
2. 尽量少用重叠性的乐器，能不用的乐器干脆不用，要更多的突出本件（组）乐器音色的特点。
3. 尽量减少纵向的音符，让声音的声场拉宽。
4. 强调对比。
5. 让音乐流动起来。
6. 更加重视低音部的线条和音量（大提琴、倍大提琴）。
7. 将铜管视为节奏型的打击乐器（SOLO除外）。
8. 学会一点复调知识（哪怕是二声部对位）。不会也不用怕，凭感觉来，不好重来。要更多的加入到声部中去，形成一个很有个性的线条。
9. 和声就不用说了……
10. 注意每件乐器位置声相的摆位（电视里经常有乐队的全视画面，照搬）。
举例，一首颂歌性的MIDI制作60、70左右的速度。前奏大气磅礴/A段优美抒情/B段高潮迭起：
前奏――先用铜管作出一段和声性的、强有力的节奏型，再加入定音鼓、大镲（或视情加入小军鼓的滚奏与节奏）注意：这是“节奏”也是该段的“灵魂”你把这一段的MIDI弄明白你就完成了前奏80%的工作了/用竖琴将声部用16分音符或32分音符上下流动起来/大提琴、倍大提琴和低音长号重叠一致（倍大提琴尽量降低一个8度）形成一个强有力的低音支持/小提琴用两个8度来演奏旋律，可用长笛、双簧管（或单簧管）与之重叠。
以上完成后感觉，是不是有点意思或进步了。
如果还不满意（还想提高一点），接着来：
（1）用元号演奏一段复调（对位）声部（这个声部可把大提琴加入重叠，但倍大提琴保持原样），注意一个原则，既：旋律声部密集，元号就是长音、旋律声部是长音，元号流动起来加入几句音符。
（2）更难一点了。将前奏分成3段（或更多段）既：先是强奏（如前所叙）、再来一段弱奏（哪怕是一件乐器的独奏）、在是强奏。好了，该段不能再说了，越说越多……
A段（优美抒情段落）――这种段落的伴奏方法太多了，我只介绍一种最简单实用的方法：将该段的和声尽量的简单化/先用倍大提琴将整个低音铺满/再在每个变换和弦的开始点，用竖琴以琶音的形式演奏或刮奏/用木管或大提琴或其他你认为合适的任何一种乐器进行复调性演奏（方法，我前面已经谈到），同时也可与旋律同步。总之，要有变化、纵向线条要简单（否则，声部太多，从音量上抢了演唱者的“油”）。这一段，主要强调线与点的结合，不要求太满。
B段与前奏差不多。只是，旋律声部可改为复调。
总之，几句话很难把MIDI制作管弦乐队方法说清楚，而且，每个高手都有自己的绝招，我只是简单谈点个人体会。
另外说几句：要想真正作好MIDI制作管弦乐队，必须努力学习：和声-复调-曲式-
配器法，这音乐学院作曲系4大件的东西，等你喝足了洋墨水，再加上你原来流行音乐制作的功底，你一不小心就能出一个大作品。
